En los últimos días, ha estado en mi mente, por lo que he retomado con creses, momentos en el que he disfrutado de su música. Y entre temas y temas llegaron cosas a mi mente. Es por esto que quiero referirme a un aspecto relacionado a Tito Rodríguez. Tiene que ver con el espíritu innovador y el constante deseo de reinventarse que vivieron en el cantante y músico puertorriqueño y que fue complemento que participó en la orquestación de su éxito.
En una ocasión escribí un artículo titulado “Si Tito estuviera vivo”, y en este, entre otras cosas, traté la posibilidad de que en estos años, a pesar de su edad, Tito estuviera involucrado en el ambiente de las fusiones tropicales, y hasta en el rap caribeño y el reggaetón (así como lo hizo Celia en sus últimos trabajos).
Dicho alegato, que a primera vista parece un sacrilegio, está sustentado en las acciones de Rodríguez a lo largo de su carrera. Fueron decisiones que el intérprete tomó sin temer y que le garantizaron vigencia en el escenario musical de Nueva York y América Latina.
Entre esas decisiones, está la que situó a su orquesta entre las tres más influyentes de los años 50 en la Gran Manzana, conjuntamente con las de Frank Grillo (Machito) y Tito Puente. La Banda de Tito Rodríguez ha sido paradigma histórico entre las formaciones musicales de su tipo. Los críticos decían, y el mismo Tito alardeaba, que esta banda, por muchos años, decidió contar con los más talentosos músicos de Nueva York, o por lo menos con un buen grupo de estos, como Israel López (Cachao) en el contrabajo, René Hernández en el piano y uno de los más ongeniosos arreglistas de la gran urbe, Mike Collazo en el timbal, Marcelino Valdés en las congas, John Rodríguez en el bongó (el más novato, pero poseedor de grandes condiciones), los saxofonistas Bobby Porcelli, Ray Santos y Mario Rivera, y los trompetistas Víctor Paz, Emilio Reales, Tony Cofresí y David González.
Con esta orquesta, Rodríguez mantuvo por años lo que mucho llamaron una dictadura musical, la cual llevaron acabo su grupo y el de Tito Puente en las noches del Palladium, el centro de baile más importante de Nueva York para esa época. En su libro “La música del Caribe”, el periodista José Arteaga asegura que “ni Machito, a quien se consideraba el maestro de ambos, se presentó en el Palladium a raíz del debate entre los Titos; ni siquiera Pérez Prado que era el padre del Mambo; tampoco lo hicieron Chico O´Farril, Dizzy Gillespie, Charlie Parker, ni José Curbelo”.
Con la entrada de los años sesenta llega un nuevo panorama musical en el que las grandes bandas y el mambo son desplazados por formatos orquestales más reducidos como la Charanga y los Sextetos, y expresiones novedosas como la pachanga.
Tito, que no resistía quedarse atrás, asumió el reto y acogió la pachanga en el primer lustro del decenio, y a partir de la segunda mitad se involucró en el bolero.
Para muchos, este hecho significó un desfase, pero contrario a esas críticas, aquel arriesgado paso le inyectó nuevos aires a su carrera.
La presencia de Tito en el bolero fue un hecho importante para la permanencia del género. Con el auge de la pachanga, y más tarde de bógalo, con el nacimiento y proliferación por todo el mundo de formas musicales como la bosa nova y el pop, el bolero estaba destinado a quedar guardado en el recuerdo, pero un reducido grupo de artistas, entre los que estuvo Tito, como uno de los principales, mantuvieron presente antológicas composiciones y dieron a conocer nuevos temas románticos. Además, el hecho de que Rodríguez fue uno de los principales modelos a seguir por las siguientes generaciones de cantantes que escenificaron el movimiento de la salsa, hizo que muchos de ellos, como buenos relevos generacionales, mantuvieran vivo al bolero.
Estos ejemplos son la prueba de su afán por ser diferente, lo que lo convirtió en una de las leyendas de la música caribeña, lo que hizo que la gente lo recuerde como un artista inolvidable.

Especial en MUSICA MAESTRO. Domingo 19, de 3:00 a 5:00, Quisqueya FM (96.1), www.compasillo.com y www.certvdominicana.com

Como muchos dominicanos, dentro y fuera del país, trato de sacar tiempo, aunque lo tenga escaso, para escuchar el programa radial El mismo golpe con Jochy (Sol, 196.5 FM) del comunicador Jochy Santos. Como muchos, estoy convencido, por experiencia, que este espacio proporciona cambios en el agotador estado de ánimo que a las 5:00 debe tener un hombre y una mujer insertado a la productividad, alivianando las labores del la oficina, si aún está en ella, o entreteniendo tu existencia entre los odiosos tapones que forman el tráfico de automóviles.
Una temática ligera, unida a una producción radial acabada, en la que el entretenimiento, la información y la educación viven confundidos, han hecho que Jochy y su espacio hoy sean marcas registradas. Y es que este hombre, ha sabido combinar sus experiencias en los medios con sus orígenes, lo que conecta sin tapujos en todo el que lo escucha.
Con todo lo mencionado, me atrevo a asegurar que su peso en esta sociedad lo que lo ha convertido en resorte hacia el éxito de artistas de la música y temas musicales, sin pretender encasillar su espacio como musical. Escuchando como todo el que quiere promocionar su carrera musical en el país, ya sea nativo o extranjero, pasa por su cabina de radio, me llegan a la memoria dos imágenes.
La primera me lleva a la mitología griega que cuenta la historia de Midas, rey de Frigia, al que Dioniso, por su hospitalidad con Sileno, le otorgó el poder de convertir en oro todo cuanto tocara.
La otra imagen es del patio, y recrea aquellos años dorados del programa de televisión “El Show del Mediodía”, cuando los comediantes, más que hacer reír al espectador, buscaban que lo haga Freddy Beras Goico, lo que significaba una carta de triunfo. En esa época, Freddy ya tenía la imagen que aún ostenta, con la que incide en la sociedad, como también lo está haciendo Santos de manera categórica.
Así, como la acción del Rey Midas, o la risa de Freddy, la palabra de Jochy es ley para que un tema musical, o un intérprete alcancen el éxito. Es un logro que anhelaría cualquier locutor musical o director payolero, pero que, para beneficio de los actores de la música popular, ha recaído en un medio y una figura que han mostrado seriedad a lo largo del tiempo.
Y estoy totalmente seguro de que el popular animador está conciente de su incidencia, pues advierto bondad en algunos casos, cuya calidad son deplorables. Quizás lo hace porque está conciente de que esas propuestas son las que prefiere el pueblo, o simplemente porque es un hombre sin malacia.

…la voz que narra dice que “la música no es más que un pretexto”. Y yo le endoso el término pretexto a la obra, a los personajes, para continuar con mi eterno discurso que le da papel preponderante a la salsa como forma de expresión de la identidad latina.
En ese juego, el pretexto, de quimera, pasa a ser torbellino que engrandece a Maestra Vida, convirtiéndola en documento obligatorio, si es que quieres entender como viven nuestros pueblos latinoamericanos.
Es una historia que se repite. Lo comprobé en estos días cuando visité mi barrio y vi que sólo la gente había cambiado y que todo estaba igual. Quizás alguna que otra casa remodelada, tal vez algún que otro chisme que nunca había entrado en escena, pero al final, la misma esencia.

En 1993, produje esta pintura. Es un Oleo en el que se aprecia una de las calles de mi barrio, El Ensanche Espaillat, ubicado en la parte Norte de Santo Domingo. Alexis Méndez

Precisamente es el barrio, conglomerado que vive en cualquier rincón de nuestra América, el escenario utilizado por Rubén Blades para describir el día a día de personas como Carmelo Da Silva, que en Santo Domingo lo veríamos como “el tíguere serio”, ese que “no le coge corte a los maleantes”, y cuya honradez estaba más que probada, al punto de llegar a enamorar a la hermosa Manuela Peré-“aquella arrolladora Manuela”-dice el narrador; y otros como Ramiro, el hijo que llenaba de orgullo al papá, y al que el entorno le cambió desordenadamente el destino. No obstante, seguía siendo el tesoro más preciado, por que al final, como escribió Rubén años después, “familia es familia y cariño es cariño.
Son personajes que viven en cualquier barrio, con nombres diferente, pero con la misma carga existencial que reflejan en Maestra Vida.
Maestra Vida es la primera Opera salsa original, la cual fue escrita por Rubén Blades (Antes, en 1973, Larry Harlow había publicado Hommy, una adaptación de la Opera Rock Tommy, de The Who). El mundo salsero pudo disfrutarla a partir de 1981, en un álbum doble que produjo Willie Colón y en el que se aprecian arreglos que involucran aires sinfónicos, adheridos a la esencia caribeña.
Siguiendo con los pretexto, estas líneas lo son, pues quieren invitarte a que escuches esta obra musical, el próximo domingo 19 de Julio, en el programa MUSICA MAESTRO. Posiblemente, nunca la has escuchado completa, aunque el disco adorne tu estante, ya sea en LP o CD, o tal vez la tengas alojada en un disco duro.
Esta semana te acompañaremos a escucharla, y junto comentaremos los diálogos y alguno de los temas que la incluyen, como "Manuela", "El nacimiento de Ramiro" o "Manuela después… (La doña)".
Escúchanos los domingos, de 3:00 a 5:00 PM, por Quisqueya FM (96.1), y por la Internet en http://www.compasillo.com/ y http://www.certvdominicana.com/ .

Maestra Vida-Programa

Primera parte:
"Prólogo" (5:11)
"Manuela" (6:53)
"Carmelo (Parte I)" (1:16)
"Como tú" (3:17)
"Carmelo (Parte II)" (1:00)
"Soy una mujer" (2:25)
"La fiesta" (6:23)
"El nacimiento de Ramiro" (7:42)
"Déjenme reír (Para no llorar)" (5:32)

Segunda parte:
"Epílogo" (5:18)
"Manuela, después... (La doña)" (9:14)
"Carmelo, después... (El viejo Da Silva)" (9:33)
"El velorio" (5:00)
"El entierro" (6:06)
"Maestra vida" (7:14)
"Hay que vivir" (1:20)

Todos los temas fueron compuestos por Rubén Blades.

Nota: Con la transmisión de esta obra musical rendimos tributo y deseamos un feliz cumpleaños a su autor. Rubén Blades cumpleaños 16 de Julio.

No voy a contar el concierto que realizó el sábado en Casa de Teatro. Solo quiero limitar mi prosa a exaltar la carga caribeña que Bryan Lynch imprimió en el mismo, la que matemáticamente es igual al 100%.
Una noche rica de ensambles de percusión, con presencia de guaguancó, chachachá, songo, que fue punto de complicidad entre Obed Calvaire (batería) y Pedro Martínez (conga), quienes, en cada “repiqueteo” y cada improvisación, soltaban sus carcajadas.
Al aura entusiasta que capitanearon estos músicos, se sumó el virtuosismo de Luques Curtis (bajo) y Zacaii Curtis (paino). Los solos del último, también impresionaron a los presentes. Improvisaciones, de las que no hay dudas, estuvo la escuela “Palmeriana”, presente en atinadas combinaciones de acordes y silencios, muy parecidas a las del neoyorquino co-autor de “Vamonos pal monte”.
Todo lo expuesto fue coronado, por supuesto, con la grandeza de Lynch, que entre contraste de notas, altas y bajas, y fraseos extendidos y entrecortados, sumado a una entrega total, mantuvo en vilo a un público que disfrutó de las melodías emitidas por su trompeta y del veneno caribeño que llevó la voz cantante en una presentación magistral.

Es fácil darse cuenta de mi afición por la propuesta musical del cantautor y sonero panameño Rubén Blades, lo que me mantiene en constante búsqueda de sus trabajos.
Buscando, he encontrado un LP de Luís Perico Ortiz, de 1978 en el que el autor de Pedro Navaja participa.
Lo hace en “Sometimes”, una fusión en la que advierto influencias del samba brasileño (muy presente en la música de Blades), Soca y el color del estilo anglosajón llamado Música Disco.
El álbum se titula “My own imagen”, y en su participación Blades graba las voces en el tema mencionado, además toca la guitarra y es el autor del mismo. Escucha y descarga el tema Sometimes, Aquí.

Compartimos esta grabación, atendiendo al interés de los oyentes del programa MUSICA MAESTRO, donde colocamos el tema, desconocido por estos, y el cual causó grata impresión.

Existe una acentuada y colectiva convicción, que lo señala como un álbum musical excepcional; dotado de gran riqueza melódica y armónica, cargado de una excelente combinación de ritmos.
El título se extrajo del soneo de uno de sus temas, el que fue punta de lanza para el éxito rotundo. Willie improvisa-Son Fantasma/somos Fantasmas/ siento la puerta tocar tres veces/¿…oh que será?-en la grabación de un tema que tomó prestado a Chico Buarquer y al que puso su sello, y se alzó por encima de todas las versiones, incluso la del autor brasileño…por lo menos de este lado de charco.
Corría el 1981 y se definían cambios en el mundo, momento de erguir el pecho para enfrentar los retos de un nuevo decenio, dejando de lado todo lo que podía oler a la década anterior. Y entre esos olores estaba el sonido hippie y progresivo, pero también caribeño e irreverente que emanaba el movimiento de la salsa, al que Willie Colón, uno de los más importantes artífices, no quiso aferrarse.
Eran los años en que se empezaba a usar la palabra “Global”, para nombrar un concepto que hoy es natural, pero que en aquellos días solo estaba en la boca y la cabeza de los genios, de los visionarios, o sencillamente de los atrevidos.
Quizás sale a relucir la pregunta, ¿A que renglón pertenece Willie? Pero al margen de la respuesta, sale a flote su álbum “Fantasma”, como la coronación de la extensa obra musical que llevaba hasta el momento, y en cuyo contenido es notable la integración de elementos que resultaron una agradable rareza, tanto para los pies del bailador, como para el sentido común del que disfruta escuchando.
En “Fantasma” se combinan los aires de la música sinfónica, con base rítmica caribeña, pop; se presentan, de manera puntual, elementos de la música puertorriqueña, con la inclusión del cuatro y algunos toques de bomba; y de manera sugerente se sienten los trombones, que constituyen el arma y alma de Colón.
Este trabajo es el segundo de una saga que inicia en 1979, en el que el trombonista y productor musical, había decidido incursionar en el canto. Su registro vocal y entonación es la diferencia entre las potentes voces de los soneros de la época, lo que también sumó adeptos a su nueva salsa.
A todo lo mencionado, hay que sumarle el tipo de historias que contó, diferente a las que planteaban los amotinamientos que denunciaban la discriminación del latino. Ahora llegaba diferente, vertiendo una mirada hacia el interior de los seres humanos, buscando entre sus sentimiento "el por que de su circunstancia" y hurgando entre algunos aspectos de la relación de pareja.

Los Temas

1-¿Oh que será?
2-Sueño de Papelote
3-Mi sueño
4-Celo
5-Amor verdadero
6-Volar a Puerto Rico
7-Al dormir
8-Toma mis manos

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Nota: No nos hacemos responsables del mal uso de las descargas, sobretodo por Piratería. Nuestro objetivo es difundir la música de origen caribeño y motivar a quienes la descargan a comprar la producción donde están cada uno de estos temas, originales y con mejor calidad que lo que aquí se exhibe.

En el 2006, la noticia daba cuenta de que había sido el único pianista dominicano en ganar la beca de estudios otorgada por el maestro Michel Camilo y la prestigiosa universidad Berklee College of Music, la que lo llevaría a esta casa de estudios a realizar una licenciatura en composición. Esa fue la primera vez que algunos pusimos los ojos, oídos y entendimiento a dar seguimiento a su trabajo; aunque muchos ya conocían de su talento, sobre todo en el ambiente musical de su Santiago natal.
Pasó el tiempo y el destino nos colocó en frente. Miguel sería el productor musical del concierto de recepción del III Congreso Internacional Música, Identidad y Cultura en el Caribe, en el cual tuve la dicha de codearme con él, de apreciar de cerca su talento, su grandeza como artista, la que contrasta con la humildad que refleja su personalidad y que, a su vez, lo engrandece como ser humano.
Entre el trabajo y la camaradería, no pudieron faltar algunas que otras preguntas que pude hacerle y que quiero compartir con ustedes.
Que dichoso he sido por conocer a este hombre, de apariencia infantil y talento gigante. Me enorgullece el haber conocido a Miguel Andrés Tejada, pianista, arreglista y compositor…un músico comprometido con los mejores intereses del arte. Los invito a conocerlo, como yo lo conocí.
Alexis Méndez (AM)-¿La enseñaza de algún maestro te marcó?
Miguel Andrés Tejada (MAT)-Sí, varios. Antes de entregarme por completo al Jazz, estudié, por varios años, música clásica en mi instrumento, que es el piano. En ese período tuve la fortuna de estudiar con la maestra cubana Hilda Melis. De ella aprendí la disciplina y entrega que hay que adquirir para sobresalir en esta carrera. También de ella heredé la técnica rusa y cubana, lo que ha sido muy importante para mi desarrollo y fluidez en mi instrumento.
En Berklee College, donde estudio, la legendaria pianista Joanne Brackeen (quien ha tocado con los grandes del jazz, desde Dexter Gordon, hasta Jack Dejohnette, Stan Getz y Art Blakey) tuvo un impacto tremendo en mí, sobretodo en el terreno de la creatividad y el sentido del estilo a la hora de interpretar jazz de diferentes épocas y autores.
Y por supuesto Michel Camilo, que con su ejemplo de trabajo, tenacidad y seriedad (aparte de su gran legado como pianista y compositor) nos ha influenciado no solo a los músicos dominicanos, sino también a los latinoamericanos.
(AM)-¿Por qué el piano?
(MAT)-Se dice que el piano es el rey de los instrumentos. El piano es un instrumento muy completo, en él tienes casi toda la gama de sonidos musicales perceptibles, y es de hecho exigido por los conservatorios a los demás instrumentistas. Para mi es el instrumento idóneo en donde plasmar mis ideas y composiciones, y como decía Stravinski es un laboratorio. Aunque lo escogí al azar, por decirlo así, resulto ser la mejor decisión.
Me encanta sentarme en el piano y dejarme fluir, de ahí ha salido varias de mis mejores composiciones. Una de ellas resultó ganadora en el Concurso de composición “Casa de Teatro 2001”; lo gracioso es que un día me senté y escribí casi improvisadamente esta obra que se llama “Suite entre nos”.
(AM)-¿A cuales pianistas disfrutas escuchándolos?
(MAT)-Ante todo el Jazz es una tradición oral, es decir que no se puede enseñar exclusivamente por medio de libros. Por lo que gran parte de mi desarrollo como músico a sido escuchar y estudiar a los maestros del pasado y del presente. De todos ellos, sin embargo hay ciertos pianistas que se encuentran en el parnaso de este arte y que particularmente disfruto mucho: Bill Evans, Wyton Kelly, Bud Powell, Mccoy Tyner, Chick Corea, Herbie Hancock, Keith Jarret, Brad Mehldau, Kenny Werner entre otros.
De los Latinos Michel Camilo, Danilo Pérez, Ernan López-Nussa, Chucho Valdez, Manuel Valera, Leo Blanco, Papo Lucca, Eliane Elías y Cesar Camargo Mariano.
(AM)-Mencionando a esos nombres, es fácil imaginar tu predilección musical; pero menciónalo tu mismo, porque podemos quedarnos corto en nuestra presunción. ¿Qué tipo de música escuchas?
(MAT)-Trato de mantenerme, abierto a la buena música mas allá de los géneros, aunque siempre he preferido escuchar Jazz de los 60 hacia adelante, Latin Jazz, música brasileña, salsa y últimamente merengues de Big Band y de los 80 hacia atrás, aunque nunca descarto la posibilidad de escuchar otros géneros contemporáneos como la electrónica y el pop, por ejemplo.
Últimamente también he estado escuchando música clásica de Gershwin, quien combinaba esta última con jazz.
(AM)-Háblame de tu experiencia como estudiante del Berklee College of Music.
(MAT)-Berklee es un lugar muy especial. Primero por el ambiente que se respira allí, cinco mil músicos talentosos de todas partes del mundo recibiendo y compartiendo conocimientos. Allí tuve la oportunidad de tocar con estrellas jóvenes como Randy Runyon, quien con solo 19 años ya había tocado con el gran Randy Brecker, por ejemplo. Por otro lado los profesores son de primera: Joanne Brackeen, Danilo Pérez, Joe Lovano, Francisco Mela, Hal Crook por nombrar algunos. Lo mejor es que son personas accesibles y humildes.
En la Universidad tuve un profesor en particular que creyó mucho en mi trabajo. Su nombre es Dave Weigert y me abrió las puertas para tocar con mi grupo en el reconocido festival de Boston “Latinamerican Week”, donde también participaron músicos de la talla de Dave Samuels.
En un sentido esto me abrió muchas puertas entre ellas llevé mi música a New York en el marco del Dominican Heritage Month, gracias a esto obtuve un reconocimiento especial del City Council de esa gran urbe. En ese momento me sentí como un embajador cultural de mi país.
He tenido la oportunidad te tomar clínicas que importantes músicos muy respetados como es el caso de Miguel Zenón, que actualmente dirige uno de los más innovadores grupos de jazz del mundo y es miembro activo del San Francisco Jazz Collective. También tuve la suerte de “Jamear” con él, después de la clínica.
En cierta forma, he sido un estudiante aventajado, ya que conseguí muchos créditos con solo un examen de nivel y un rating bien alto en piano.
(AM)-¿Qué significó para ti el haberte involucrado en un concierto de boleros, dirigiendo a legendarias figuras del género?
(MAT)-En Abril pasado fui designado como director musical en el marco del III Congreso Música Identidad y Cultura en el Caribe, esta vez dedicado al Bolero. Esta actividad fue muy importante para mí por varias razones.
En primer, el haber tenido la oportunidad de hacer los arreglos musicales y dirigir a figuras tan notables como Danny Rivera, Sergio Vargas, Omara Portuondo, Vicente Rey de España, Francis Santana y muchos más es un motivo de orgullo y satisfacción sobre todo para una persona joven, dada la amplia trayectoria de los artistas mencionados.
En segundo lugar, el poder hacer relaciones valiosísimas con excelentes profesionales que participaron en este importante evento, tanto en la parte artística como organizativa.
Es interesante ver cómo pasan las cosas. Aunque soy joven crecí escuchando boleros. Los Pancho, Trío Matamoros, Lucho Gatica, Tito Rodríguez, y muchos más eran frecuentes en mi hogar. Mi abuela me inculcó esa tradición. También he escrito mis propios boleros, siempre matizados por los acordes del jazz.
(AM)-¿Qué proyectos se avecinan en tu carrera?
(MAT)-Hay muchos, pero actualmente me encuentro en la preparación de un espectáculo en donde me estreno como productor. También me encuentro en la preparación de un disco que me parece será uno de los proyecto más ambicioso, artísticamente hablando, que se halla hecho en el país en los últimos años. En donde participaran instrumentistas y cantantes del país y algunos amigos del extranjero.
Además, sigo trabajando regularmente con el exquisito cantante Samuel González, agotando presentaciones en todo el territorio nacional.
(AM)-¿Qué anhelas realizar como músico?
(MAT)-Todos los artistas aspiramos a dejar una obra o un legado por el cual se nos pueda recordar. Yo creo que en mi caso no es la excepción y pienso que ha ciertos nichos y necesidades que yo puedo llenarlas con mi trabajo. También hay muchos artistas con los cuales me gustaría compartir profesionalmente. Pero fundamentalmente quiero dejar una obra que tenga algo nuevo que aportar a las presentes y futuras generaciones.
(AM)-¿Qué anhela realizar el ser humano?
(MAT)-Se me hace difícil diferenciar entre el músico y el ser humano, porque para mi la música es algo intrínsecamente humano y viene desde muy adentro. Aparte de eso, siempre me ha gustado compartir con los que vienen detrás de mí, por varios años fui docente en Santiago y en el Conservatorio Nacional de Santo Domingo y aunque ya no enseño de manera formal, siempre considero importante el aporte que le puedo dar a los demás. Eso es algo que seguiré haciendo en el futuro.
(AM)-¿Cómo ves el futuro de la música y los músicos de nuestro país?
(MAT)-Alguien dijo que el futuro es ahora. Pienso que deberíamos estudiar lo que estamos haciendo hoy día para ver como será el porvenir. Yo creo que esta interesante pregunta hay que analizarla desde varias perspectivas.
Lo primero es el trabajo hacia lo interno, es decir dentro de marco territorial como país. En nuestro país, a la música debe dársele categoría de carrera universitaria, como en casi todos los países del mundo. Sabemos que en la UASD se están dando pasos positivos al crearse una licenciatura; pero pienso que deben ampliarse las opciones de carreras en este sentido: composición, arreglos, dirección coral, orquestal, etc. En el caso del Conservatorio Nacional de Música, debería buscarse la validación internacional del mismo, través de intercambios con conservatorios extranjeros. En Berklee tenemos una máxima que dice “Para ti la música no es un hobbie, es una carrera”; además, es tan costosa, sino igual que cualquier otra carrera en Los Estados Unidos de América.
Si realmente aspiramos a que se nos vea como profesionales en nuestras aéreas, debemos darle esa connotación nosotros, en primer lugar.
En Latinoamérica, podemos tomar como ejemplo el caso de Puerto Rico, que está produciendo un sinnúmero de músicos excelentes que le darán muchos laureles a esa isla. Para nombrar algunos: David Sánchez, Miguel Zenón, Néstor Torres (a quien he acompañado en varias ocasiones), Luis Marín, entre otros. El caso de Panamá con un desarrollo sostenible de la cultura, encabezado por Ruben Blades. El de Cuba, buen nivel inicial, buen nivel medio, buen nivel superior, resultado: Gonzalo Rubalcaba, Chucho Valdez, Paquito D’Rivera. Venezuela con Gustavo Dudamel y el sistema de orquestas jóvenes. Esto solo nombrando algunos países del área caribeña. Un sistema adecuado de enseñanza artística crea una estructura que permea toda la sociedad.
En segunda lugar, hacia lo externo. Pienso que nuestro país debe avanzar hacia un verdadero reconocimiento de la importancia de la cultura y de las artes en nuestro desarrollo integral como individuos y como sociedad.
Recuerdo que cuando llegué a Estados Unidos, una persona me preguntó de donde era yo, a lo que respondí de República Dominicana-¡Ah, la vaca!-replicó esa persona con acento anglosajón. Ella se refería a un merengue que se popularizó tanto aquí como en el exterior. Yo, naturalmente me sentí un tanto avergonzado y le expliqué que estos eran fenómenos de un momento y que nosotros tenemos mucho más que ofrecer.
Las preguntas que surgen son, ¿estamos conscientes de cómo se está percibiendo nuestro país internacionalmente en el terreno cultural y artístico? Nuestra sociedad está siendo lo suficiente critica o hemos caído en un letargo de permisividad total?
La problemática se agrava, a un más cuando hablamos de turismo cultural, termino relativamente moderno. Es cada vez más numeroso el número de turistas que buscan algo más que playas, sol y arena. Buscan conocimiento, conocer la cultura a la cual están visitando, su música, sus museos, y su arte en sentido general. ¿Por que? Porque viniendo de Europa en donde la tasa de analfabetismo es del 1% es obvio que los intereses de nuestros huéspedes sean múltiples y diversos.
Sin querer pecar de puritano, entiendo que no solo nuestros líderes, sino también cada ente de la sociedad, debemos adentrarnos en un proceso de purificación de nuestros valores, ofrecer lo mejor de nosotros y exigir a los artistas que lo hagan también. Se dice que el arte es el reflejo de los pueblos.

Miguel Abdrés Tejada (Piano Solo).
Antes de ver este video, recuerda poner pausa al reproductor de audio.

Más directo
Tu Madre.
Amor incondicional
Tu piano.
Comunicación conmigo mismo
La música.
Comunicación con los demás
La educación.
Desarrollo
El jazz.
Ser libre
El merengue.
Hay que respetarlo

¿Que prefieres?
¿Thelonious Monk o Duke Ellington?
Un híbrido de ambos
¿Merengue o bachata?
Merengue
¿Bailar o cantar?
Cantar
¿Tambora o Acordeón?
Tambora
¿Guitarra o violín?
Guitarra
¿Escribir música o interpretar la música?
Interpretar la música que escribo

Por si no la has leído, queremos enviarte a la entrevista que Fernando Rodríguez hiciera al virtuoso trompetista estadounidense Bryan Lynch, uno de los preferidos de MUSICA MAESTRO y que enhorabuena se presentará en la República Dominicana.
Toda la información sobre sus presentaciones, más la entrevista, las puedes encontar en

JAZZ EN DOMINICANA .

Esa tarde decidí retirarme temprano. Mientras cambiaba los canales de mi televisor, un titular me detuvo en CNN. Este, más o menos decía, que algunas fuentes aseguraban que Michael Jackson había muerto. Al parecer, no tenían la noticia oficial, lo que me llevó a consultar otras fuentes. Finalmente, devuelta a CNN, se confirmó el rumor.
No voy a entrar en los detalles de las causas del deceso, al fin y al cabo, sea de una manera o de otra, el resultado es el mismo, pues hoy no contamos con la máxima figura de la música pop que ha dado la historia.
El resultado es que la gira que emprendería en Julio se quebró. El resultado es que el deseo de millones de personas se quedó frustrado al no poder remembrar los momentos de unos años gloriosos. El resultado es que murió un rey, que entre tanta realeza cacareada por la industria de la música, tiene genuina corona.
Con Michael Jackson la música dejó de ser de negros, o de blancos. Simplemente fue música…afortunadamente fue música, gracias a su propuesta, cuya irreverencia se atrevió a integrar el rock, funk y el soul.
Del su baile, ni hablar. Con la rara mezcla de las células de Marcel Marceau y James Brown, originó un estilo propio que ha sido referencia de la generación posterior.
Son más sus aportes, los cuales han generado records y que de seguro, a partir de ahora, podrán ser exaltados por encima de cuestionamientos humanos y terrenales.
Pedimos permiso al Caribe para rendir tributo y decir adiós a este rey, cuya partida solo fue física.

La noticia, AQUI.

Es lo que yo veo en este video, quizás inducido por mi salsomanía. Lo cierto es que, a pesar de que lo que se escucha son los toques comunes de los temas a que jackson nos acostumbró, advierto que este utiliza pasos y vueltas de la salsa. Además de que los bailarines se envuelven en la famosa Rueda de Casino. ¿Estaré en lo cierto?

Antes de ver este Video, recuerda poner pausa el reproductor de audio.

El otro lado, por el cual fue noticia

"Cheo Feliciano e Ismael Miranda: 2 Salseros de Verdad" vienen, juntos por primera vez a un mismo escenario en Santo Domingo a presentar un show de pura salsa, boleros y son para los amantes de estos géneros, el próximo sábado 15 de agosto en el Teatro La Fiesta del Hotel Jaragua, bajo la producción de Buena Vista Entertaiment y Corporación EM.
Carlos Sánchez y Rafael Torres, productores generales del espectáculo, muestran su entusiasmo por la organización de este evento, ya que el mismo reúne a dos artistas cuyas historias son más que reconocidas entre los dominicanos y el mundo.

"Unir a Cheo Feliciano e Ismael Miranda, juntos por primera vez en un escenario dominicano, es más que un placer para nosotros y nos llena de orgullo poder ofrecer un espectáculo como éste, al público criollo",expresaron Sanchez y Torres. Y es que tanto Cheo Feliciano como Ismael Miranda tienen un amplio repertorio de éxitos que ni los nuevos géneros, ni el tiempo pueden sacar de la preferencia criolla y juntos, ofrecerán un espectáculo que no necesita carta de presentación por la larga y rica trayectoria musical de cada uno.
Sus seguidores podrán deleitarse con grandes éxitos como” Así se compone un Son”, “Borinquén tiene Montuno”; “Anacaona”; “Dos Entierro”, “Amada Mía”, “Juguete”, “La Cama Vacía”, “Si por mí llueve”; “Tal Vez Por Nada”; “En Mi Viejo San Juan”, “Me Voy Ahora”.

La dirección musical será del afamado Louis García.

Las boletas estarán a la venta en el Teatro La Fiesta, Ticket Express, CDd Manía, Club de Lectores del Listín Diario y Buena Vista Club Bar & Lounge, Gustavo Mejía Ricart esq. Winston Arnaud, en la Plaza Condesa. Para más información pueden llamar a los teléfonos 809-221-1414.